ФотоИнтервью

Сегодня, читая о фотографии и современных фотографах, часто можно наткнуться на утверждение, что техника второстепенна, главное для фотографа — умение видеть момент. Мысль, в общем-то, правильная и очень хорошо, что она звучит все чаще, давая возможность начинающим фотографам не забыть о сути, когда реклама ласково убеждает, что цифровые технологии способны все сделать за вас. Гораздо реже умения видеть, понимать кадр требуют от зрителя. А ведь искусство — это процесс, в котором задействованы две стороны.  Наш сегодняшний гость, файн-арт фотограф Владимир Селезнёв демонстрирует иной подход к творческому процессу — он стремится не просто запечатлеть интересный момент на пленку (хотя ему и это удается отлично), а создать сюжет для кадра, давая зрителю возможность увидеть, рассмотреть.

Для меня фотография Селезнёва стала открытием. Разглядывая его снимки, сначала замечаешь, что на них просто приятно смотреть. А потом понимаешь, как же это прекрасно, когда вещи, казалось бы, ничего из себя не представляющие (вы заметили,что коломненский «пейзаж» на заглавном фото — это простыни на ветру?), составляют гармоничную картинку, в которой и красота, и история. Настоящая магия искусства.

Владимир Селезнёв преподает в фотошколе Profotik, там он ведет авторский курс, посвященный развитию художественного восприятия. Посетить эти занятия, равно как и почитать интервью с Владимиром, рекомендую всем.

Здравствуйте, Владимир. Спасибо, что согласились дать интервью, как ваше настроение сегодня?

Сегодня – риторически-философское; думаю, такое, какое нужно.

Для начала, расскажите немного о себе. Как появились вы в фотографии и фотография в вас?

Впервые фотография появилась в моём детстве, когда дедушка научил меня пользоваться своим ФЭДом. Тогда этот аппарат показался мне очень трудным в обращении, и вскоре я забросил фотографирование. Потом были разные плёночные мыльницы, достаточно долгий период попыток рисовать, и где-то около восьми лет назад я снова взял в руки тот самый ФЭД.

С тех пор несколько раз в неделю я регулярно нажимаю на кнопку спуска различных меняющихся в моих руках фотокамер, и, мне кажется, последние пару лет делаю это более-менее осмысленно.

Просматривая ваше портфолио, первое, что бросилось в глаза — ваше умение видеть. Вы как будто даже не видите кадр, а создаете его из ничего. Как вам это удается? Это результат тренировки, везение или может быть, природное умение?

Наверное, это что-то врождённое, потому что я не представляю себе, из чего ещё можно создать кадр. Одни вещи мне интересны, другие – нет, какие именно – не всегда известно, но одно известно наверняка: делать кадр из того, что уже существует, было создано до меня кем-либо или чем-либо, я никогда не стану. Мне нравится не запечатлевать вещи, не фиксировать уже имеющую реальность, а создавать новую, свою реальность, которая будет интересна моему зрителю. Если есть для этого под рукой яркое событие или необычный предмет, что ж – к лучшему, нет – можно обойтись и без.

С другой стороны, чтобы прийти к такому пониманию вещей, мне понадобилось достаточно много времени и сил: поиски, споры, находки, разочарования, удачи, понимание, непринятие… едва ли вообще уместно утверждать, что я пришёл к чему-либо… но всё-таки, подводя некоторый итог, можно сказать, что то, что я есть сегодня как творческая личность и, в частности, как фотограф – результат некоторого природного умения видеть и чувствовать, помноженного на постоянные «тренировки». Когда всё это приводит к созданию интересной фотографии, можно говорить о везении.

Москва, 2010. МДФ, №4 / МДФ, №1

Исходя из вашего преподавательского опыта, что вы можете сказать о современном фото сообществе в России? Тенденции, скорее радужные или наоборот, грустные? Вам лично комфортно работать в среде, которая сложилась сейчас?

Россия – страна-младенец в визуальном искусстве и в фотографии в особенности. В семнадцатом году всё задушили, двадцать лет назад всё разрешили, но что именно делать – никто не знает. Дерево без корней не растёт.

Тенденции положительные: всё-таки начинаем пускать корни. Появляются галереи европейского типа, ориентированные на продажу отпечатков, проводятся интересные выставки, биенале последнее, например. Вот, 2011 – год «Италии в России», к нам рискнули привезти Фрэнка Дитури. Это здорово. Но покажи его работы среднестатистическому обладателю профессиональной камеры – он скажет: фотки ни о чём, да ещё и нерезкие.

В Италии, Франции – другое дело; люди мыслят визуальными категориями, им не нужно объяснять, что хотел сказать автор, они просто видят это. В России – нет, и мне, естественно, не комфортно работать в такой среде.

Думаю, современный российский fine-art фотограф должен в первую очередь ориентироваться на западную аудиторию, во всяком случае, на сегодняшний день.

Что для вас вдохновение?

Это когда звёзды над моей головой выстраиваются в один ряд.

Говоря фотографическим языком, когда вокруг меня вдруг происходит одно или лучше несколько фотографических событий, видоизменяющих пространство вокруг и создающих на миг совершенно новую фотографическую реальность. Моё вдохновение – это умение почувствовать этот миг.

Анри Картье-Брессон писал: «Фотографировать может лишь тот, кто сумеет выстроить на одной оси глаз, голову и сердце». Я полагаю, что только человек обладающий вдохновением способен на это.

Но оно не приходит само по себе, его нужно искать, много фотографировать, размышлять и быть при этом готовым к тому, что оно не появится или появится внезапно, зачастую в самом неподходящем месте, и очень обидно бывает в таких случаях забыть дома камеру или обнаружить её без плёнки или без батареек.

Я знаю, что одна из тем, которые вы затрагиваете в своей преподавательской деятельности — это художественность в фотографии. Сегодня это понятие, как и понятие «искусство», очень часто применяется в разговоре о фотографии. Но, по сути, часто это не более чем пустое прилагательное, и чем определяется художественная ценность фотографии, зачастую неясно. Что вы вкладываете в это понятие? Когда фото как документация момента, становится искусством, по вашему мнению? И вообще, может быть мнение на этот счет или это каноны, о которых не спорят?

Думаю, на этот счёт может быть мнение, но при этом отдельные личности своими выдающимися достижениями способны создавать из некоторых мнений каноны, пусть субъективные, но всё-таки каноны. Ты можешь не любить, не ценить, в конце концов, не понимать творчество того же Картье-Брессона, но не признавать его классиком фотоискусства в профессиональной среде просто невозможно.

Я лично считаю ту или иную фотографию художественной и, соответственно, произведением искусства в том случае, если запечатлённое на ней событие или предмет открывается для меня, как для зрителя, с новой необычной стороны, отражающей особенности именно этого снимка, видение именно этого фотографа. Поль Валери говорил: «Меня обогащает тот, кто заставляет меня видеть по-другому то, что я вижу каждый день».

Ну и, разумеется, художественная фотография должна быть визуально красивой. Изображение, на которое неприятно смотреть, на мой взгляд, не заслуживает просмотра.

Тема вашего авторского курса в школе Profotik «Развитие художественного восприятия». Для тех, у кого нет возможности посетить интересную лекцию, могли бы вы открыть несколько главных секретов?

К сожалению, здесь, наверное, нет таких секретов, которые можно было бы раскрыть несколькими общими фразами. Это не секреты обработки в фотошопе наподобие «как убрать шумы без потери резкости».

Но суть всё-таки в том, что ключевое слово в вышеприведённой формулировке именно «восприятие». Мы не умеем смотреть на фотографию. Если на ней нет того, что мы привыкли видеть вокруг себя, то в большинстве случаев, непонятно КАК на это смотреть. Тут же задаётся глупейший вопрос: что хотел сказать автор?

А автор ничего не хотел сказать, он хотел показать, но чтобы увидеть то, что он хотел показать, необходимо развить в себе умение видеть, воспринимать. И уже впоследствии это умение воспринимать экстраполируется на окружающие вещи, и человек может использовать его для реализации собственных художественных замыслов.

Именно этим (и не только этим) мы занимаемся на моём авторском курсе «Развитие художественного восприятия».

Вашими работами можно иллюстрировать книжки по композиции. :) Я недавно прочла  в сети об одном интересном исследовании, посвященном разрушению мифов о композиции (ссылка). Согласно ему, многие общепринятые законы, включая правило «золотого сечения», совершенно не воспринимаются зрителями. В связи с этим у меня вопрос: какие правила композиции для вас нерушимы, а какими вы сознательно пренебрегаете?

Правила композиции нерушимы в принципе, как нерушимы законы природы. После зимы будет весна, после весны – лето. Но некоторые весенние дни теплее летних, зимой часто бывает «плюс», а летом в исключительных случаях – «минус». Законы природы тут не нарушаются, просто они более изменчивы и подвижны, чем это кажется на первый взгляд.

Развенчивать мифы о композиции, исходя из разовых наблюдений, также опрометчиво, как рассуждать в декабре о наступлении весны, обнаружив, что выпавший снег растаял.

Вот простой пример: если вы хотите сфотографировать с озера панораму Ростовского кремля, то, как гласит правило золотого сечения, линия воды должна проходить по нижней трети кадра; в таком случае пространство кадра будет наилучшем образом воспринято зрителем. Это факт.

И вот моя фотография:

она противоречит всем общепринятым законам композиции, но смотрится гармонично. Линия горизонта находится в абсолютно не предназначенном для неё месте, но именно там она работает на восприятие, на то восприятие, которого я хотел добиться. Ведь задачи сфотографировать Ростовский кремль как таковой не стояло: облако в небе намного более заметно и акцентировано, чем архитектурный ансамбль.

Таким образом, получается, что вместе с композицией в этой фотографии смещён и акцент. Люди, которые занимаются исследованиями, о которых Вы пишите, как правило, не видят смещения акцента и, стало быть, рассуждают о законах восприятия лишь с одного бока.

Резюме: любые композиционные законы можно и нужно нарушать, но все нарушения при этом должны быть оправданы, то есть подчинены, в свою очередь, собственным законам. В противном случае изображение лишится гармонии, и зрителю не захочется его рассматривать.

Многие фотографы стараются держаться в профессиональном вакууме, боясь, что литература, советы других фотографов могут повлиять на их видение, тем самым лишив его уникальности. Как вы относитесь к такому подходу? Есть кто-то или что-то, что оказало серьезное влияние на ваше творчество?

Я абсолютно убеждён в том, что в нас нет ровно ничего уникального. Всё, что мы представляем собой, является набором приобретённых привычек, мыслей, взглядов, настроений и т.д. Но именно этот набор – для каждого свой – и является уникальным, а его богатство, разнообразие и неповторимость определяет культуру личности.

Желание держаться в каком бы то ни было вакууме только обедняет априори небогатое человеческое сознание и обусловлено, скорей всего, боязнью столкнуться с чем-то, что пошатнёт и без того хрупко сложившиеся устои. Также, находясь в вакууме, есть большая вероятность заново изобрести колесо или – если повезёт – велосипед.

Думаю, моё отношение к такому подходу понятно. Я открыт к любому воздействию извне и искренне надеюсь на то, что эти воздействия каждодневно обогащают меня и моё видение.

В своё время наибольшее влияние на моё творчество оказали две крайности: работы классиков мировой фотографии (у которых я и сейчас учусь) и интернет ресурсы, посвящённые фотографии (не буду, уточнять, какие именно). Первые учат тому, как надо, вторые – как не превратить своё творчество в «массу общего потребления».

Старица, 2010 / Москва, 2010

Вопрос для статистики :) На что снимаете и сочетание камеры/объектива, которое вы больше всего любите.

У меня одна камера и один объектив))

Вернее, камер несколько, но они одинаковые – для разных плёнок, в одной цветная, в другой чёрно-белая – обе Canon EOS 300. Объектив обычный, ни плохой, ни хороший: Sigma 28-70. Есть ещё 70-300, но я его почти никогда не использую.

Задумываюсь последнее время о покупке более профессиональной техники (Contax 645 с оптикой Carl Zeiss), так как хочется более высокого качества при печати, но для меня это – вопрос достаточно большой суммы, так что пока только задумываюсь.

Почему пленка? Вы с этого начинали или пришли к этому?

Вполне естественно, что с этого я начинал, так как цифровой ФЭД тогда ещё не изобрели и уже вряд ли изобретут, потом через несколько лет купил себе плёночный Canon, потом достаточно «навороченную» по тем временам цифровую зеркалку Canon 40D, поснимал на неё недолго и снова вернулся к плёнке.

И дело тут, конечно, не в ретроградстве, и не в самобичевании, мол, плёнка воспитывает, отучает «щёлкать» впустую, учит думать.., а в том, что качество итоговых отпечатков на плёнке и «цифре» совершенно различно. Ни одно лучше, другое – хуже, а именно различно. Плёночное изображение более живое, объёмное и вместе с тем графичное, застывшее, подобно живописному произведению состоит из неповторимого «зернового» узора. Это очень заметно на отпечатках большого формата, и многие путают мои фотографии с картинами.

К тому же, плёнка даёт возможность ручной (серебряно-желатиновой) печати, и, значит, продать такие отпечатки можно за сумму в десятки раз превышающую их цифровые аналоги, но пока, к сожалению, в основном не в России.

Если же говорить конкретно о цвете, то, я думаю, ни одна матрица (даже Husselblad) на сегодняшний день не в состоянии передать такие яркие живые цвета, какие в умелых руках (пока – не в моих) передают некоторые виды профессиональных цветных плёнок.

Говорят, в пленочной фотографии, печатник значит столько же, сколько и фотограф. Это правда?

На мой взгляд, это утверждение ошибочно. На «цифровой» лад его можно переиначить как «в цифровой фотографии обработка в графическом редакторе значит столько же, сколько умение сфотографировать». Если это так, то вряд ли будет уместно говорить о результате такого процесса непосредственно как о фотографии.

Постобработка (в случае плёнки – печать) значат не больше, чем, предположим, хороший объектив или небитая матрица. Этому можно научить практически любого, это ремесло, которое требует сформированности навыков производителя, и оно никогда не было, не есть и не будет выше умения создателя. Мы знаем очёнь много имён великих фотографов, но не знаем ни одного великого печатника.

С другой стороны, Хельмут Ньютон в своей автобиографии писал, что печатники «отличаются тонкой натурой, часто со странностями» и что его отношения с ними «иногда напоминали отношения между любовниками», так как «если человек проводит большую часть своей жизни в комнате, освещённой лишь тусклой оранжевой лампой, или в полной темноте, его поведение должно быть немного эксцентричным». С этим я согласен.

Также важно отметить то, что для одних фотографов печать может являться важной художественной составляющей, и тогда они, как правило, сами ей и занимаются (Ральф Гибсон, Джакомо Брунелли), а для других (и, в частности, для меня) имеет одну основную задачу: не навредить.

Ну и, в конце концов, очень неплохое, на мой взгляд, сравнение приводит в своей книге «Фотография как» А.И. Лапин. Он пишет, что ненапечатанная фотография (негатив) – это нотная запись музыкального произведения, а напечатанная – её исполнение на музыкальном инструменте. Действительно, в мире не так уж много – но при этом достаточно немало – людей, способных сыграть правильно, интересно и по-своему, к примеру, «Лунную Сонату» Бетховена, но написать её способен был только один человек и только однажды.

Фотография — это ваша единственная отдушина для самовыражения? Когда-нибудь думали, кем бы вы могли стать, если не фотографом?

Трудно ответить на этот вопрос. По образованию я вообще-то педагог… люблю общаться с интересными людьми, люблю творчество: поигрываю на гитаре, читаю интересные книги, смотрю хорошие фильмы… раньше пытался рисовать, но фотография – это, наверное, то, что получается у меня лучше всего, так что пока всё, что я делаю – делаю для неё.

Санкт-Петербург, 2010

Что бы вы посоветовали начинающим фотографам?

То же, что регулярно говорю сам себе и своим студентам. Вот несколько моих любимых цитат известных фотографов. Думаю, в их словах есть доля истины.

«Не нужно слишком много фотографировать, не надо стрелять, изводя пленку. Это плохой признак. Это все равно, что много есть или пить: человек теряет вкус, теряет форму. И, тем не менее, стоит не забывать, что для того, чтобы получить молоко, надо подоить корову, а чтобы получить масло, нужно очень много молока.» Анри Картье-Брессон

«Я всегда фотографировал с мыслью, что никто не будет интересоваться моими фотографиями, что никто не заплатит мне, что если я сделал что-то — это только для себя.» Йозеф Куделка

и ещё одно:

«Вспоминать правила композиции перед съемкой все равно, что мыслить о законе гравитации, выходя на прогулку.» Эдвард Уэстон

Не упустите возможность познакомиться ближе с творчеством Владимира Селезнёва:

Сайт фотографа: Vladimir Seleznyov. Fine Art Photography

Страница на ФотоСайте: Владимир Селезнёв

© Все права на размещенные в данной статье фотографии принадлежат Владимиру Селезнёву.
Все фотографии размещены с письменного разрешения автора.